Les 12 Principes Fondamentaux du Motion Design

Le motion design, un domaine en constante évolution, occupe aujourd’hui une place primordiale dans la transmission de messages créatifs grâce aux avancées incessantes des outils digitaux et à la multiplication des interfaces auxquelles nous sommes confrontés quotidiennement. Lorsque l’on parle de motion design, plusieurs outils viennent à l’esprit tels qu’After Effects, Edge Animate, le HTML5, le CSS3 et le jQuery. Cependant, la maîtrise de ces outils ne garantit pas nécessairement la création d’un produit final de qualité. Comprendre les composantes essentielles à la création et les raisons pour lesquelles les événements se produisent sont les clés de la production d’une animation signifiante. Ce sens du mouvement existait bien avant les outils numériques avancés d’aujourd’hui et il continuera d’exister même lorsque ces outils évolueront. Ce sens évolue progressivement pour donner naissance aux principes fondamentaux du motion design.

L’un des pionniers dans l’énonciation de ces principes était Ollie Johnston et Frank Thomas, deux animateurs de renom chez Disney, membres du groupe que Walt Disney appelait les « neuf sages ». Les 12 principes fondamentaux de l’animation qu’ils ont contribué à développer sont toujours d’actualité, qu’il s’agisse d’animation en 3D, d’animations expérimentales ou d’autres formes basées sur le mouvement.

Bien que l’on puisse faire une distinction nette entre un personnage humain et le motion design, les 12 principes s’appliquent néanmoins à tous ces procédés. Le designer et animateur Cento Lodigiani illustre ces principes de base de l’animation à travers une série de courtes vidéos mettant en scène un simple cube. Cet objet sert d’analogie parfaite pour démontrer comment ces principes peuvent s’appliquer au motion design.

1. L’écrasement et l’étirement

L’ajout d’une exagération au mouvement d’un objet permet de lui donner un poids et un volume plus tangibles. Ce principe est souvent démontré à l’aide d’un ballon rebondissant, qui apparaît étiré en tombant et écrasé en touchant le sol. L’étirement et l’écrasement donnent à l’objet une apparence plus réaliste. Par exemple, dans l’animation « What It Takes to Be Original, » cette technique est utilisée plusieurs fois pour accentuer le mouvement.

2. La mise en scène

Influencée par les principes du théâtre, la mise en scène permet d’établir une ambiance, de mettre en valeur un objet et de clarifier ce qui se passe dans la scène. Dans un exemple convaincant, la vidéo maintient la simplicité de l’arrière-plan pour que le spectateur reste concentré sur le sujet principal malgré le mouvement constant.

3. Le « Slow In » et le « Slow Out »

Dans le monde réel, les objets ont besoin de prendre de l’élan avant d’atteindre leur pleine vitesse, de même, ils ont besoin de temps pour s’arrêter complètement. Le motion design doit refléter cette réalité. Par exemple, dans l’ouverture de TEDxTianhe, le mouvement lent au début du cercle se déplaçant dans l’ovale illustre ce principe et ancre le mouvement dans la réalité.

4. Trajectoire arquée

Tous les objets lancés en l’air et les personnages en mouvement suivent une trajectoire arquée. La reproduction précise de cette trajectoire renforce la réalité des mouvements, qu’il s’agisse d’une parabole, d’un mouvement ascendant suivi d’une descente, ou d’arcs de cercles pour les éléments en rotation.

5. Action secondaire

Outre le mouvement principal, de nombreux mouvements sont accompagnés d’actions secondaires qui contribuent à renforcer la réalité de la scène. Cependant, il convient de doser ces actions secondaires pour ne pas détourner l’attention de l’action principale. Par exemple, dans une animation, les formes des lettres se dessinent de manière esthétique, avec des éléments secondaires tels que les flammes autour de la lettre « B » ou les petits insectes sur la lettre « C. »

6. Le dessin en volume

Le dessin en volume ajoute un réalisme accru à l’animation. L’ajout de formes et d’effets 3D facilite la reconnaissance des objets par le spectateur. Un exemple notable de cette technique est le générique de la série « Mad Men, » où le personnage en mouvement conserve un volume et une forme réalistes, même lorsque l’environnement change autour de lui.

7. L’attractivité

Les personnages ou les arrière-plans n’ont pas besoin d’être nécessairement beaux pour susciter l’intérêt du spectateur. L’attractivité peut être créée grâce à une mise en scène soignée ou à la juxtaposition d’images avant même l’ajout du mouvement. Un exemple remarquable de ceci se trouve dans le générique d’ouverture de la série « True Detective, » où malgré le manque de mouvement, l’œil du spectateur est captivé par la composition intéressante résultant de la superposition de personnages et de lieux.

8. L’anticipation

Avant qu’un mouvement important n’ait lieu, il est souvent précédé d’un mouvement de préparation qui informe le spectateur de ce qui va se passer. Cette anticipation rend le mouvement plus réaliste et engageant.

9. L’exagération

L’exagération est souvent utilisée pour accentuer un mouvement ou une émotion, rendant ainsi l’animation plus dynamique et expressive. Cependant, il est important de maintenir un équilibre pour que l’exagération ne paraisse pas artificielle.

10. La cohérence physique et théâtrale

L’animation doit respecter les lois de la physique tout en maintenant une cohérence interne. Cela signifie que les mouvements doivent être naturels et logiques par rapport au contexte de l’histoire et aux caractéristiques des personnages ou des objets.

11. L’action partie par partie

Dans de nombreux mouvements complexes, l’animation peut être décomposée en actions individuelles, chaque partie du corps ou de l’objet réagissant de manière distincte. Cette technique permet de créer des mouvements réalistes et fluides en orchestrant chaque composant de façon cohérente.

12. Le timing

Le timing est crucial dans l’animation. Il détermine la vitesse à laquelle chaque mouvement se produit et comment il est synchronisé avec les autres éléments de l’animation. Un bon timing peut renforcer l’impact d’un mouvement et améliorer la narration visuelle.

Ces douze principes fondamentaux de l’animation en motion design ne sont pas seulement des règles, mais des guides essentiels qui structurent la création d’animations captivantes et significatives. Les maîtriser et les appliquer correctement permet aux animateurs et concepteurs de produire des œuvres qui suscitent l’émotion, racontent des histoires et transmettent des messages de manière efficace dans l’univers en constante évolution du motion design. En intégrant ces principes dans la conception et l’exécution d’animations, les créatifs peuvent atteindre un niveau supérieur de qualité et d’impact, offrant ainsi des expériences visuelles mémorables et engageantes pour leur public.